CES FELIPE II DE ARANJUEZ UCM LICENCIATURA EN BELLAS ARTES ASIGNATURA DE 2º CICLO ESPECIALIDAD: ARTES DE LA IMAGEN A LA derecha se encuentran los blogs con TRABAJOS DE ALUMNOS PROFESORA: MARIA JESUS ABAD TEJERINA
martes, 29 de noviembre de 2011
EL BODEGON EN LA ACTUALIDAD ORI GERHST/ KENRO IZU/ SAM TAYLOR
http://www.youtube.com/watch?v=0KMsrE3e30k&feature=player_embedded
http://www.youtube.com/watch?v=y9faYoKrOR0&NR=1
ORI GERHSThttp://www.youtube.com/watch?v=y9faYoKrOR0&NR=1
KENRO IZU
SAM TAYLORhttp://www.youtube.com/watch?v=MIzXWGcb3u0
artista que trabaja con la sombra http://www.fabrizio-corneli.com
La sombra de la luz.
La obra de Fabrizio Corneli (Firenze, 1958) plantea ante todo la sorpresa, provoca el misterio y el asombro, convirtiendo la experiencia de la visualidad en una auténtica aventura de la percepción. Sus obras transforman radicalmente el espacio, incidiendo sin embargo muy levemente en él: al ser activadas mediante luz, desvelan dibujos de sombras, figuras de rostros, edificios o cuerpos suspendidos en pleno vuelo. En la ausencia de esa luz activadora, el espacio de los muros donde aparecen las formas y los dibujos, queda casi vacío y desnudo. Solo lamas de metal, peines u otros materiales sobresalen del plano del muro. Mientras no haya una luz rasante que incida sobre estos obstáculos, no se “activan” las formas. Este dispositivo, basado en la relación entre luz y sombra puede entenderse como un mecanismo de metáforas polisémicas que acaba por situar la experiencia perceptiva en el primer plano. Los relatos sobre las sombras han alimentado la imaginación desde la antigüedad. La literatura fantástica del romanticismo, ha conectado la sombra con una cierta idea o representación de alma. Así ocurre en el conocido relato de Adelbert von Chamisso, Peter Schlemihl o el hombre que perdió su sombra, en cuyas páginas resuena el Fausto de Goethe, y también, aunque de otro modo, en el cuento de Andersen, titulado precisamente La sombra. Ese camino de imaginación sin embargo nos conduce también a las sombras de la caverna de Platón, a sus metáforas sobre el conocimiento, y también al míto que recoge Plinio el Viejo en su Historia Natural, para explicar el nacimiento de la pintura. La leyenda cuenta que la hija de Butades, un alfarero de Sición, no se sabe si fue en esta ciudad o en la vecina Corinto, habría trazado sobre un muro una línea, recorriendo la silueta de la sombra de la cabeza del hombre amado, la noche antes de que este abandonara la ciudad, para así recordar las facciones de su rostro. Sombra y pintura establecen desde este momento una paradójica conexión, mientras que la luz asume el papel de iluminar oscureciendo. En este sentido la obra de Corneli se hace pintura sin pintura y escultura sin volumen que transforma el espacio, obligando a una permanente interacción. La forma es la sombra. La imagen es construida mediante oscuridad que proviene de la luz. El procedimiento es muy sencillo, pero implica un complejo proceso de concepción y realización. Fabrizio Corneli utiliza la luz como materia y su herramienta es el cálculo trigonométrico dirigido hacia la activación de juegos de la percepción mediante un uso muy preciso de la perspectiva que a su vez trabaja con las sombras y los reflejos. Las matemáticas y el cálculo se convierten en una metodología de sistemática desmaterialización de la obra. En ella confluyen las investigaciones ópticas y las diversas tradiciones de perspectiva, utilizadas desde el renacimiento pero reinterpretadas desde la contemporaneidad para una visualidad abierta. La sombra funciona así como una extensión expandida de la geometría.
La obra de Corneli se hace eco de todas estas paradojas y resonancias, situándose fuera de cualquier corriente, pero en el núcleo de la experimentación sobre la percepción visual. Si bien en la escena artística internacional luz y sombra han sido trabajados desde una gran variedad de perspectivas, es difícil encontrar un proyecto tan coherente y riguroso como el de Corneli, que se singulariza al enlazar una manufactura artesanal con cálculos matemáticos, donde el papel de lo tecnológico es mínimo y se circunscribe generalmente a la óptica.
Los trabajos para interior tienden a crear un silencio de tiempo detenido y enigmático, mientras que los proyectos realizados en espacios exteriores, generalmente en medianeras y muros, conectan con la dimensión fugaz del tiempo, como un instante determinado por la luz-tiempo solar, remitiendo al funcionamiento del reloj de sol. Ciertas obras pueden funcionar tanto con luz solar como con luz eléctrica, y ambas pueden combinarse para graduar el momento de aparición o desaparición. Los proyectos de exterior, pueden tener únicamente la lectura visual de un instante muy preciso que coincide con la hora del día en la que el sol incide sobre la pared con la exacta inclinación que permita la aparición de formas o de palabras, incluso puede tratarse de un solo día. El resto del tiempo la imagen va variando, en procesos de deformación que se alejan o acercan al punto exacto de proyección de las sombras en imagen, de manera semejante al de un ajuste del foco de una cámara. El exterior impone unas condiciones muy aleatorias cuando se utiliza únicamente la luz solar, pues conlleva la variabilidad del azar climatológico: el paso de las nubes actúa como un apagón de la obra hasta que el sol vuelva a salir, y esta se alumbre de nuevo. Los días nublados la obra permanecerá inactiva, oculta al paseante, y al llegar días soleados el paseante descubrirá la imagen como una aparición. Todo ello forma parte de la lectura y la experiencia de la obra. Una de las primeras intervenciones en exterior fue Augenblick en Colonia en 1997, sobre una medianera. En 2007 realiza Duetto en la Sannomya Tower de Kobe en Japón, utilizando como soporte la fachada de un rascacielos de oficinas. La extensa serie de Volanti, figuras humanas que flotan o vuelan en el espacio, ha sido realizada tanto en exteriores urbanos, utilizando medianeras, como en interiores de características muy diferentes. La instalación de Volante VI y VII, por ejemplo fue realizada de manera permanente, en 2006 sobre las paredes laterales de la iglesia de Sante Foy en Sèlestat, en Alsacia. Aún más íntimamente relacionadas con la pintura hay que considerar las obras de flores y mariposas de colores, generadas a partir de esferas de cristal suspendidas frente a un muro y que funcionan como un sistema óptico cuya luz interna proyecta sobre la pared formas de colores. Estas piezas, que constituyen uno de los núcleos de la exposición en Ana Serratosa Arte de Valencia, introducen en un ámbito muy ligado a las imágenes oníricas y fantásticas del sueño, sugiriendo inmateriales “cuadros” de luz.
Testo di Santiago Olmo scritto per la presentazione della mostra personale presso la Gallaria Ana Serratosa-Arte, Valencia.
La obra de Fabrizio Corneli (Firenze, 1958) plantea ante todo la sorpresa, provoca el misterio y el asombro, convirtiendo la experiencia de la visualidad en una auténtica aventura de la percepción. Sus obras transforman radicalmente el espacio, incidiendo sin embargo muy levemente en él: al ser activadas mediante luz, desvelan dibujos de sombras, figuras de rostros, edificios o cuerpos suspendidos en pleno vuelo. En la ausencia de esa luz activadora, el espacio de los muros donde aparecen las formas y los dibujos, queda casi vacío y desnudo. Solo lamas de metal, peines u otros materiales sobresalen del plano del muro. Mientras no haya una luz rasante que incida sobre estos obstáculos, no se “activan” las formas. Este dispositivo, basado en la relación entre luz y sombra puede entenderse como un mecanismo de metáforas polisémicas que acaba por situar la experiencia perceptiva en el primer plano. Los relatos sobre las sombras han alimentado la imaginación desde la antigüedad. La literatura fantástica del romanticismo, ha conectado la sombra con una cierta idea o representación de alma. Así ocurre en el conocido relato de Adelbert von Chamisso, Peter Schlemihl o el hombre que perdió su sombra, en cuyas páginas resuena el Fausto de Goethe, y también, aunque de otro modo, en el cuento de Andersen, titulado precisamente La sombra. Ese camino de imaginación sin embargo nos conduce también a las sombras de la caverna de Platón, a sus metáforas sobre el conocimiento, y también al míto que recoge Plinio el Viejo en su Historia Natural, para explicar el nacimiento de la pintura. La leyenda cuenta que la hija de Butades, un alfarero de Sición, no se sabe si fue en esta ciudad o en la vecina Corinto, habría trazado sobre un muro una línea, recorriendo la silueta de la sombra de la cabeza del hombre amado, la noche antes de que este abandonara la ciudad, para así recordar las facciones de su rostro. Sombra y pintura establecen desde este momento una paradójica conexión, mientras que la luz asume el papel de iluminar oscureciendo. En este sentido la obra de Corneli se hace pintura sin pintura y escultura sin volumen que transforma el espacio, obligando a una permanente interacción. La forma es la sombra. La imagen es construida mediante oscuridad que proviene de la luz. El procedimiento es muy sencillo, pero implica un complejo proceso de concepción y realización. Fabrizio Corneli utiliza la luz como materia y su herramienta es el cálculo trigonométrico dirigido hacia la activación de juegos de la percepción mediante un uso muy preciso de la perspectiva que a su vez trabaja con las sombras y los reflejos. Las matemáticas y el cálculo se convierten en una metodología de sistemática desmaterialización de la obra. En ella confluyen las investigaciones ópticas y las diversas tradiciones de perspectiva, utilizadas desde el renacimiento pero reinterpretadas desde la contemporaneidad para una visualidad abierta. La sombra funciona así como una extensión expandida de la geometría.
La obra de Corneli se hace eco de todas estas paradojas y resonancias, situándose fuera de cualquier corriente, pero en el núcleo de la experimentación sobre la percepción visual. Si bien en la escena artística internacional luz y sombra han sido trabajados desde una gran variedad de perspectivas, es difícil encontrar un proyecto tan coherente y riguroso como el de Corneli, que se singulariza al enlazar una manufactura artesanal con cálculos matemáticos, donde el papel de lo tecnológico es mínimo y se circunscribe generalmente a la óptica.
Los trabajos para interior tienden a crear un silencio de tiempo detenido y enigmático, mientras que los proyectos realizados en espacios exteriores, generalmente en medianeras y muros, conectan con la dimensión fugaz del tiempo, como un instante determinado por la luz-tiempo solar, remitiendo al funcionamiento del reloj de sol. Ciertas obras pueden funcionar tanto con luz solar como con luz eléctrica, y ambas pueden combinarse para graduar el momento de aparición o desaparición. Los proyectos de exterior, pueden tener únicamente la lectura visual de un instante muy preciso que coincide con la hora del día en la que el sol incide sobre la pared con la exacta inclinación que permita la aparición de formas o de palabras, incluso puede tratarse de un solo día. El resto del tiempo la imagen va variando, en procesos de deformación que se alejan o acercan al punto exacto de proyección de las sombras en imagen, de manera semejante al de un ajuste del foco de una cámara. El exterior impone unas condiciones muy aleatorias cuando se utiliza únicamente la luz solar, pues conlleva la variabilidad del azar climatológico: el paso de las nubes actúa como un apagón de la obra hasta que el sol vuelva a salir, y esta se alumbre de nuevo. Los días nublados la obra permanecerá inactiva, oculta al paseante, y al llegar días soleados el paseante descubrirá la imagen como una aparición. Todo ello forma parte de la lectura y la experiencia de la obra. Una de las primeras intervenciones en exterior fue Augenblick en Colonia en 1997, sobre una medianera. En 2007 realiza Duetto en la Sannomya Tower de Kobe en Japón, utilizando como soporte la fachada de un rascacielos de oficinas. La extensa serie de Volanti, figuras humanas que flotan o vuelan en el espacio, ha sido realizada tanto en exteriores urbanos, utilizando medianeras, como en interiores de características muy diferentes. La instalación de Volante VI y VII, por ejemplo fue realizada de manera permanente, en 2006 sobre las paredes laterales de la iglesia de Sante Foy en Sèlestat, en Alsacia. Aún más íntimamente relacionadas con la pintura hay que considerar las obras de flores y mariposas de colores, generadas a partir de esferas de cristal suspendidas frente a un muro y que funcionan como un sistema óptico cuya luz interna proyecta sobre la pared formas de colores. Estas piezas, que constituyen uno de los núcleos de la exposición en Ana Serratosa Arte de Valencia, introducen en un ámbito muy ligado a las imágenes oníricas y fantásticas del sueño, sugiriendo inmateriales “cuadros” de luz.
Testo di Santiago Olmo scritto per la presentazione della mostra personale presso la Gallaria Ana Serratosa-Arte, Valencia.
lunes, 28 de noviembre de 2011
clases dias 30 de noviembre y 1 y 2 diciembre
Dias 30 y 1 Presentaciones de los avances del trabajo personal. Cada presentacion tendra una duracion de 8 minutos
Dia 2: Asistencia a la lectura de la tesis doctoral " propuesta tecnica y didactica de huecograbado en cuero como materia prima para la elaboracion de matrices en tecnicas de grabado no toxico para la facultad de bellas artes de la universidad de Costa Rica" El acto tebdra lugar en la facultad de bellas artes de Madrid a las 16:00 en el salon de grados
Dia 2: Asistencia a la lectura de la tesis doctoral " propuesta tecnica y didactica de huecograbado en cuero como materia prima para la elaboracion de matrices en tecnicas de grabado no toxico para la facultad de bellas artes de la universidad de Costa Rica" El acto tebdra lugar en la facultad de bellas artes de Madrid a las 16:00 en el salon de grados
jueves, 24 de noviembre de 2011
Taller de retrato editorial impartido por RAFAEL ROA
Taller de Retrato Editorial 16/17 de Diciembre 27/28 de Enero
http://www.rafaelroa.net/
Taller de retrato EDITORIAL
Dirigido a alumnos de niveles medio y avanzado.
Se estudiará y analizará la historia y evolución del retrato como género y su reflejo e implicaciones en las experiencias prácticas del fotógrafo en el ámbito retrato editorial y corporativo, prestando especial atención en las técnicas y recursos de iluminación así como en la forma de relacionarse con el personaje.
Cursos intensivo de 16 horas, en viernes y sábados, más una tutoría de 4 horas para la evaluación de resultados.
Grupos de 6 alumnos
Horarios : de 10 a 14h y de 16 a 20h
miércoles, 23 de noviembre de 2011
Exposicion nº 9 BlankPaper CALLE NAO 4, 3º METRO CALLAO preguntad por el horario de visitas
Exposición colectiva de los profesores de BlankPaper
Los profesores de BlankPaper Escuela Madrid inauguran el jueves 24 de noviembre a las 20:30h una exposición colectiva en la que cada uno muestra su vinculación y sus motivaciones personales en torno a la fotografía.A continuación podéis leer un pequeño fragmento de la obsesión por contar historias que comparte con todos nosotros Fosi Vegue, director y profesor de BlankPaper Escuela Madrid.
La intención en fotografía es fundamental, sin ella no lograremos narrar una historia con convicción. Este propósito, escurridizo y fluctuante a veces, lo perseguimos en el momento de la toma y lo terminamos de construir en la edición final de nuestras fotos.
Mi objetivo en Grandes éxitos era mostrar el declive de una sala de fiestas, anclada en una época dorada, y el esnobismo del público que allí acude.
Camarero. Al principio pensé en hacer fotos también de la terraza y del exterior del local, pero luego fui consciente de que tenía más sentido convertirlo en una cápsula del tiempo, y para ello sólo sacaría interiores con una luz densa y envolvente.
También quería hacer retratos del personal que trabaja en esta sala, aburrido, agotado de este lugar. El primer camarero es un tipo muy optimista, ante un exterior verde, esperanzador. No me vale. Pero tras entrar y bajar la vista ¡zas! me encuentro con la persona que lo tiene todo: inexpresividad con un fondo perfecto en una chaqueta prestada.
Fosi Vegue
Para disfrutar de esta novedosa exposición con todos los textos y las fotos de cada profesor y miembro del equipo, venid antes del lunes 12 de diciembre. ¡Estáis todos invitados!
lunes, 21 de noviembre de 2011
ATENCION!!! ULTIMA LLAMADA
LOS TRABAJOS ARTISTICOS PARA LA EXPOSICION "EXPRESATE" SERAN SELECCIONADOS EL PROXIMO JUEVES POR LA MAÑANA.
Escribidme un correo los que penseis presentaros
Escribidme un correo los que penseis presentaros
sábado, 19 de noviembre de 2011
PRECIOS Y TIRADAS DE FOTOGRAFIA
http://www.photo-originale.com/
Clases 23,24 y 25 Noviembre
Dia 23: aula 313 clase teorico-practica sobre eleccion de imagenes. Resumen de puntos principales
Dia 24: aula 311 taller practico sobre la ley de minimos
Dia 25: aula 208 presentaciones PAGINA WEB DE UN ARTISTA (5 minutos)
Dia 24: aula 311 taller practico sobre la ley de minimos
Dia 25: aula 208 presentaciones PAGINA WEB DE UN ARTISTA (5 minutos)
Exposicion nº 8 Exposición en LA CASA ENCENDIDA "La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945"
- Duración:
- 07.10.11 - 15.01.12
- Hora:
- 10.00 - 21.45
- Se repite:
- Cada dia
- Categoria:
- Exposición
OFERTA DE TRABAJO QUE ME ENVIA UNA ANTIGUA ALUMNA
Se busca vendedor para la tienda National Geographic de Madrid. Es para trabajar con un contrato semanal de 20 hs. concentrado en fines de semana y festivos.
La paga es aprox. unos 560€ br. al mes. (x 20 hs.)
La paga es aprox. unos 560€ br. al mes. (x 20 hs.)
Nadia Hutnik
jueves, 17 de noviembre de 2011
miércoles, 16 de noviembre de 2011
practica sobre los procesos
Mañana dia 17 de noviembre 2011 se hara en clase la practica sobre los procesos
debeis llevar al aula:
debeis llevar al aula:
martes, 15 de noviembre de 2011
sábado, 12 de noviembre de 2011
CONCURSO PARA EXPONER EXPRESATE (APOYO POSITIVO)
EL PRÓXIMO DÍA 24 LOS PROFESORES TOMAS ZARZA, ARIA PAPAGERGUIU Y MARIA JESUS ABAD, JUNTO CON TODO EL QUE QUIERA PARTICIPAR SELECCIONAREMOS LAS OBRAS PARA LA EXPOSICIÓN EXPRÉSATE (SALA DE LA UGT) EN TOTAL SERÁN DE 10 A 20 OBRAS.
LOS ALUMNOS INTERESADOS CON SUS DIRECCIONES DE CORREO ELECTRÓNICO ME LO PODEIS ENVIAR AL MIO. DE ESTE MODO LOS SERÁ MAS FÁCIL COORDINAR Y HACER LLEGAR LAS NOTICIAS.
DESDE APOYO POSITIVO NOS HAN DADO UN PRESUPUESTO PARA HACER UN TRÍPTICO O CATALOGUITO. PARECE QUE UN ALUMNOS DE TOMAS LO PODRAN MAQUETAR. PARA ELLO ES NECESARIO TENER IMAGENES Y LOS DATOS DE LOS ALUMNOS Y SUS OBRAS. ENCUANTO TENGÁIS ESTA INFORMACIÓN HACERNOSLAS LLEGAR .
viernes, 11 de noviembre de 2011
libro recomendado CALIBRAR EL MONITOR http://www.hugorodriguez.com/
© Hugo Rodríguez 2010
CALIBRAR EL MONITOR es el primer libro que aborda directamente el tema de la calibración del monitor. Es una obra pensada para que cualquier fotógrafo, sin mayores conocimientos que los básicos de informática, pueda llevar a cabo un ajuste completo del monitor. Aunque está pensado especialmente para fotógrafos, es perfectamente válido para diseñadores gráficos, retocadores, preimpresores, editores, técnicos de impresión, videógrafos y otros profesionales de la imagen que necesitan tener la tranquilidad de ver en su pantalla los colores tal y como son.
De hecho, aborda aspectos concretos de configuración del color tanto en Photoshop como en programas como Freehand, Ilustrator, ACDSee, Vista previa, Extensis portfolio, iView Media Pro, los navegadores o los programas para revelar RAW
Todo ello con el habitual lenguaje claro y conciso de esta colección y esta web, sin tecnicismos innecesarios, pero con gran rigurosidad. Todo lo que se afirma ha sido comprobado personalmente tanto en un equipo PC y en un MAC. Por supuesto, aunque se evita utilizar términos técnicos, se explican aquellos conceptos necesarios e importantes y al final del libro se incluye un detallado glosario.
¿Qué encontrarás en este libro?
Encontrarás explicaciones que te enseñarán desde los primeros pasos de una calibración hasta los trucos para conseguir mejores calibraciones, mejores incluso que siguiendo las propias instrucciones del calibrador.
A lo largo de sus 5 capítulos y 288 páginas encontrarás:
• Todos los pasos previos a una calibracion: luz ambiental adecuada, normativa ISO, resoluciones y refrescos adecuados, como construir unas viseras, como limpiar la pantalla, ajustes de geometría, distorsión, tamaño, posición, convergencia...
• Un poco de teoría: mapas, espacios y perfiles de color. Pantallas planas, de tubo y otras tecnologías. Gamma y compensación de gamma. La curva de respuesta. Ajuste de brillo, contraste, punto blanco, tonalidad y punto negro.
• Calibración con dos monitores.
• Calibración por software. En PC, con Adobe Gamma; en MAC, con ColorSync.
• Calibración con calibrador, paso a paso, con EyeOne (Display2 y Photo) y Spyder3. Calibración automática y manual. Ajuste manual del negro. El ajuste del blanco en los TFTs. Comprobación del contraste. Validar una calibración.
• Calibrar la TV y un proyector digital. Comprobaciones finales.
• Configurar correctamente los programas: Photoshop y otros programas de Adobe. Freehand, ACDSee Pro, Extensis portfolio, iView Media Pro, Camera RAW, Lightroom, Nikon Capture NX, Canon DPP, RawShooter, CaptureOne, Internet Explorer, Safari, Mozilla Firefox, Google Chrome, Proshow Producer, Powerpoint...
• Herramientas: el panel Preferencias de pantalla en MAC y el del color en Windows XP.
Junto con el libro se ofrecen diversos materiales que el lector puede descargar gratuitamente de una página asociada al mismo.
La impresión está muy cuidada, pues ha sido hecha por RGM servicios gráficos, siguiendo las estrictas directrices de la normativa ISO 12647-2, relativa a la calidad de impresión y del color en offset. Por ello, tanto la nitidez como el color están muy controlados. Puesto que es un libro que habla de la imagen y utiliza imágenes para ilustrarlo, tendría que predicar con el ejemplo y mostrarlas con alta calidad, ¿no?
CALIBRAR EL MONITOR es el primer libro que aborda directamente el tema de la calibración del monitor. Es una obra pensada para que cualquier fotógrafo, sin mayores conocimientos que los básicos de informática, pueda llevar a cabo un ajuste completo del monitor. Aunque está pensado especialmente para fotógrafos, es perfectamente válido para diseñadores gráficos, retocadores, preimpresores, editores, técnicos de impresión, videógrafos y otros profesionales de la imagen que necesitan tener la tranquilidad de ver en su pantalla los colores tal y como son.
De hecho, aborda aspectos concretos de configuración del color tanto en Photoshop como en programas como Freehand, Ilustrator, ACDSee, Vista previa, Extensis portfolio, iView Media Pro, los navegadores o los programas para revelar RAW
Todo ello con el habitual lenguaje claro y conciso de esta colección y esta web, sin tecnicismos innecesarios, pero con gran rigurosidad. Todo lo que se afirma ha sido comprobado personalmente tanto en un equipo PC y en un MAC. Por supuesto, aunque se evita utilizar términos técnicos, se explican aquellos conceptos necesarios e importantes y al final del libro se incluye un detallado glosario.
¿Qué encontrarás en este libro?
Encontrarás explicaciones que te enseñarán desde los primeros pasos de una calibración hasta los trucos para conseguir mejores calibraciones, mejores incluso que siguiendo las propias instrucciones del calibrador.
A lo largo de sus 5 capítulos y 288 páginas encontrarás:
• Todos los pasos previos a una calibracion: luz ambiental adecuada, normativa ISO, resoluciones y refrescos adecuados, como construir unas viseras, como limpiar la pantalla, ajustes de geometría, distorsión, tamaño, posición, convergencia...
• Un poco de teoría: mapas, espacios y perfiles de color. Pantallas planas, de tubo y otras tecnologías. Gamma y compensación de gamma. La curva de respuesta. Ajuste de brillo, contraste, punto blanco, tonalidad y punto negro.
• Calibración con dos monitores.
• Calibración por software. En PC, con Adobe Gamma; en MAC, con ColorSync.
• Calibración con calibrador, paso a paso, con EyeOne (Display2 y Photo) y Spyder3. Calibración automática y manual. Ajuste manual del negro. El ajuste del blanco en los TFTs. Comprobación del contraste. Validar una calibración.
• Calibrar la TV y un proyector digital. Comprobaciones finales.
• Configurar correctamente los programas: Photoshop y otros programas de Adobe. Freehand, ACDSee Pro, Extensis portfolio, iView Media Pro, Camera RAW, Lightroom, Nikon Capture NX, Canon DPP, RawShooter, CaptureOne, Internet Explorer, Safari, Mozilla Firefox, Google Chrome, Proshow Producer, Powerpoint...
• Herramientas: el panel Preferencias de pantalla en MAC y el del color en Windows XP.
Junto con el libro se ofrecen diversos materiales que el lector puede descargar gratuitamente de una página asociada al mismo.
La impresión está muy cuidada, pues ha sido hecha por RGM servicios gráficos, siguiendo las estrictas directrices de la normativa ISO 12647-2, relativa a la calidad de impresión y del color en offset. Por ello, tanto la nitidez como el color están muy controlados. Puesto que es un libro que habla de la imagen y utiliza imágenes para ilustrarlo, tendría que predicar con el ejemplo y mostrarlas con alta calidad, ¿no?
Clases dias 16,17 y 18 de noviembre 2011
Exposicion nº 7 corresponde a la semana 14/18 de noviembre 2011 SOLEDAD SEVILLA EN EL PALACIO DE CRISTAL DEL RETIRO (Madrid)
Escrito en los cuerpos celestes
Imagen Hoyesarte.comPublicada el 21-08-2011 09:12 0 4
cuerpos, escrito, sevilla, soledad
0
Soledad Sevilla: Escrito en los cuerpos celestes
.
Soledad Sevilla (Valencia, 1944) presentará el próximo 10 de noviembre en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid una instalación creada ex profeso para este singular espacio. Se trata de una estructura de aluminio y policarbonato impreso que reproduce la bóveda del propio Palacio y recrea la imagen del cielo nocturno. Será la instalación de mayor tamaño que la artista ha realizado en su última etapa, iniciada a principios de los años noventa. En ella explora las relaciones entre la luz, la materia y el espacio.
Soledad Sevilla se dio a conocer al formar parte del Seminario del Centro de Cálculo de Madrid (1969-71) en el que un grupo de artistas experimentaron con la generación automática de formas plásticas, realizando en sus inicios una pintura geométrica y seriada. En ella se puede reconocer el germen de las estructuras geométricas con las que trabaja en la actualidad: formas más libres, pero basadas en un riguroso análisis técnico. Igualmente, en estas obras se recoge la captación de valores atmosféricos por los que se interesó en su etapa pictórica de los años ochenta, pinturas de alta densidad cromática en las que consigue una difícil combinación entre la reducción formal y la riqueza sensorial. A partir de ambas experiencias, la geométrica y la óptica, la artista ha evolucionado hacia una obra más compleja y radical que se sitúa en la frontera entre la escultura, el paisajismo y la arquitectura.
Madrid. Soledad Sevilla: Escrito en los cuerpos celestes. Palacio de Cristal.
Del 10 de noviembre de 2011 al 9 de abril de 2012.
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Hoyesarte.comPublicada el 21-08-2011 09:12 0 4
Imagen Hoyesarte.comPublicada el 21-08-2011 09:12 0 4
cuerpos, escrito, sevilla, soledad
0
Soledad Sevilla: Escrito en los cuerpos celestes
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Soledad Sevilla (Valencia, 1944) presentará el próximo 10 de noviembre en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid una instalación creada ex profeso para este singular espacio. Se trata de una estructura de aluminio y policarbonato impreso que reproduce la bóveda del propio Palacio y recrea la imagen del cielo nocturno. Será la instalación de mayor tamaño que la artista ha realizado en su última etapa, iniciada a principios de los años noventa. En ella explora las relaciones entre la luz, la materia y el espacio.
Soledad Sevilla se dio a conocer al formar parte del Seminario del Centro de Cálculo de Madrid (1969-71) en el que un grupo de artistas experimentaron con la generación automática de formas plásticas, realizando en sus inicios una pintura geométrica y seriada. En ella se puede reconocer el germen de las estructuras geométricas con las que trabaja en la actualidad: formas más libres, pero basadas en un riguroso análisis técnico. Igualmente, en estas obras se recoge la captación de valores atmosféricos por los que se interesó en su etapa pictórica de los años ochenta, pinturas de alta densidad cromática en las que consigue una difícil combinación entre la reducción formal y la riqueza sensorial. A partir de ambas experiencias, la geométrica y la óptica, la artista ha evolucionado hacia una obra más compleja y radical que se sitúa en la frontera entre la escultura, el paisajismo y la arquitectura.
Madrid. Soledad Sevilla: Escrito en los cuerpos celestes. Palacio de Cristal.
Del 10 de noviembre de 2011 al 9 de abril de 2012.
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http://www.expansion.com/2011/11/04/entorno/aula_abierta/1320405330.html
La 'feria ARCO' de los estudiantes españoles se consolida
Los jóvenes artistas ya están preparados. Del 10 al 13 de noviembre se celebra en la ciudad de Bilbao la III edición de Ikas Art, la mayor exposición de obras de arte de universitarios del mundo entero.
Ikas Art tiene lugar del 10 al 13 de noviembre en Bilbao. La entrada es gratuita y el horario de apertura es de 11 de la mañana a 8 de la tarde.El próximo jueves 10 de noviembre abre sus puertas la III edición de esta feria en el en el BEC! (Bilbao Exhibition Centre, Barakaldo). Tras el éxito de las dos ediciones anteriores, la muestra se consolida y se hace más abierta, con nuevos participantes y centros de enseñanza internacionales. Entre otros, se van a estrenar en la cita española la Universidad Autónoma de México, la Accademia di Belle Arti di Sassari (Cerdeña) el Bradford College de Reino Unido y la Universidad Nacional de Rosario de Argentina.
Ikas-Art tiene como objetivo contribuir a la difusión de las realidades de cada una de las facultades de Bellas Artes, así como sus maneras de entender el arte y el aprendizaje. Pretende ser el marco idóneo para el contraste, la valoración y la visualización de diferentes maneras de explorar el arte en todas sus dimensiones gracias a la participación de los propios estudiantes, que proponen diferentes niveles de comprensión y representación real.
Como ya es tradicional en la feria, cada universidad ha realizado para ello la selección de las obras que muestran sus alumnos en la exposición, estableciendo los criterios de selección adecuados para diseñar la propuesta que represente a su centro. El evento va más allá de la simple exposición ya que se complementa con mesas redondas y conferencias dirigidas a expertos y con talleres abiertos al público.
La investigación, la innovación y la creatividad se dan citan en esta muestra que permite al visitante hacer su propia lectura de lo que ve, además de contar con la supervisión y perspectiva del propio artista. Alrededor de la muestra ha nacido un movimiento de colaboración continua y de comunidad virtual entre los agentes involucrados que se materializa y canaliza en distintos soportes comunicativos como es la web www.ikas-art.com, la revista IK, las redes sociales y el blog ikasart.wordpress.com.
Sorpresas del arte
Este año «Intersecciones» se ha convertido en una zona dedicada a las Escuelas Superiores de Diseño. Cada escuela tendrá su propio stand en el que se expondrán los trabajos de los alumnos. En Intersecciones se podrá ver moda, diseño industrial, gráfico, etc., de 8 importantes Escuelas Superiores de Arte y Diseño. Este año en Ikas-Art también se estrena la sección Zabalgunea. En este espacio, situado fuera de la zona de Facultades, se expondrán otro tipo de proyectos expositivos: instalaciones, trabajos procesuales, etcétera.
Otro de los interesantes stands que, paralelamente a la muestra universitaria, se va a poder visitar este año es el de «Eskulan». Desde su fundación en 1980 en el Taller-Molino Eskulan, se viene elaborando papeles para todo tipo de usos y aplicaciones artísticas. En este espacio se van a organizar diferentes talleres en los que podremos aprender como se elabora el papel y conocer las diferentes materias primas que se utilizan en los distintos tipos de papel. Y tendremos la oportunidad de admirar la amplia colección de papeles de países con larga tradición papelera como Japón, Bhutan, Nepal, Filipinas y Méjico. En último lugar, es imposible que pase desapercibido «Mus-Art», un espacio alrededor del juego del Mus con una zona de encuentro, ocio y diversión.
Cómo empezó todo
La primera edición de Ikas Art tuvo lugar en 2008. La feria surge por iniciativa de Turismo Encartaciones Enkartur y Arenatzarte en colaboración con la Universidad del País Vasco, con el objetivo de dar un hueco a la actividad universitaria en los espacios naturales como es enkarterri, un proyecto innovador y creativo de Enkartur.
El Concejo de Güeñes dispuso de dos áreas de 2.000 m2. Una en Arenatzarte -un museo al aire libre e el jardín botánico de la localidad- y otra en la localidad de Sodupe. El municipio de Balmaseda, por su parte, contó con una carpa de 2.000 m2 donde se expusieron dibujo y pinturas. En total, 6.000m2 de superficie expositiva abierta al público.
A esta cita acudieron las 14 facultades de Bellas Artes de nuestro país. Se expusieron 450 trabajos de unos 300 alumnos, representando las identidades de cada uno de los centros, los modos de entender la docencia del arte y las innovaciones alcanzadas. La facultad invitada en este primer evento fue la de la Universidad de Burdeos.
Tras una prórroga de un año, la muestra se puso en marcha de nuevo el año pasado con bastantes mejoras. Se amplió el número de participantes a más de 400, el número de centros a 21 facultades -seis de ellas extranjeras-, se puso en marcha un congreso organizado por los propios alumnos y se consiguió fusionar todas las actividades en un único espacio, el BEC! (Bilbao Exhibition Centre, Barakaldo) de Bilbao.
jueves, 3 de noviembre de 2011
ikas montaje
EL MONTAJE EMPIEZA EL MARTES A LAS 9!!! quedamos en la puerta
BILBAO EXHIBITION CENTER PABELLON Nº1 MONTAJE STANDS Días 8 y 9 de Noviembre de 09:00 a 19:00 horas. ACREDITACIÓN Todos los Expositores deben presentarse en la Oficina Técnica, Stand Ikas-Art, para registrarse y recibir las acreditaciones. Deben aportar listado completo de las personas que participan en la Muestra. También deben entregar datos de los vehículos que tengan que acceder al recinto para descarga. ENTREGA DE CATALOGOS La organización entregará a los responsables de cada centro un catálogo por cada alumno que expone en Ikas-Art y tres ejemplares para el Centro. HORARIO El horario de Exposición es de 11:00 a 20:00 los días 10, 11, 12 y 13 de noviembre. DESMONTAJE Día 14 de noviembre de 09:00 a 19:00 horas.
video con signos, simbolos y letras
http://www.youtube.com/watch?v=Mdv_iAa5rnk&feature=player_embedded#!
Clases dias 10,11 y 12 de Noviembre LOS DIAS 10 Y 11 NO HABRA CLASE EN EL AULA
Dia 10: Ikas art Bilbao (no hay clase en el aula)
dia 11: Ikas art Bilbao (no hay clase en el aula)
dia 12: Clase en el aula. En torno a IKAS, imagenes de la exposicion, critica, debate y analisis critico de las obras expuestas
dia 11: Ikas art Bilbao (no hay clase en el aula)
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